Alcalá Norte

Desde hace meses, Alcalá Norte y sus canciones no dejaban de aparecerme en el timeline de twitter. Muchos usuarios de cuyos gustos musicales me fío, compartían sus adelantos y yo, por curiosidad, los escuchaba. Y me encantaba lo que oía: Supermán y La vida cañón son, por ejemplo, dos temas absolutamente sobresalientes.

Esta semana Alcalá Norte han publicado con Balaunka, su primer álbum homónimo, y bueno, han superado todas mis expectativas (que ya eran altas). El sonido punk y post-punk es oscuro y las letras hablan un poco de todo lo que llevamos para adelante en la vida: la precariedad, la dificultad de pagar el alquiler, nuestra debilidad mental, los agobios o la ansiedad. Pero no os equivoquéis: es imposible ponerles una sola etiqueta.

Hay cortes más tranquilos, como el maravilloso No Llores, Dr. G donde pueden recordar un poco más a los rusos Motorama. Algo parecido sucede con las guitarras y teclados de La Sangre del pobre, que abre el disco de forma magistral, que tiene ese inicio tan Beach House.

Eso sí, también se acercan al pop que, tal vez, sea lo más destacado de este trabajo de Alcalá Norte: Supermán es una pepinazo para hacer saltar por los aires cualquier concierto; La vida cañón es un single como la copa de un pino. Son dos cortes, como dije antes, tremendos y que seguramente les haga ganar popularidad.

Y, como no, también hay cortes más veloces, de punk sintético como Los Chavales, 420N o, el final, con El Guerrero Marroquí, donde me ha venido a la cabeza ese punk canalla y electrónico de La Élite. O, también esa tremenda Langemark, con ese bajo machacón que bien podría ser una canción del último disco de Triángulo de Amor Bizarro.

Pero si hay un detalle que me ha gustado de este trabajo es la libertad con la que fusilan a otros artistas y se llevan las canciones a su terreno. No, no la típica versión. Cogen trabajos como La Ley Innata de Extremoduro para crear La calle Elfo que, particularmente, me parece la mejor canción del disco. O, por ejemplo, toman Cosquilleo de La Paloma para hacer su tema El rey los judíos. 

Talento a raudales el de Alcalá Norte en un disco genial que, de hecho, ya se viene para casa, que ayer lo encargué en la web de su sello.

Autocamper

Desde Manchester nos llega una propuesta de lo más interesante, Autocamper. Son un cuarteto de jangle-pop que bebe de las influencias neozelandesas del sello Flying Nun, el jangle americano Sturm & Thrum y el punk británico de los 80.

Yo los conocí el año pasado con el single You Look Fabulous! y este año nos presentan Blanche, otro single de 7 pulgadas. La canción es sobresaliente, las guitarras jangle nos recuerdan a grupos como The Bats o The Laughing Chimes, la voz melódica os puede traer a la mente a Television Personalities, pero el teclado que sobrevuela toda la canción es un delicia que y le da un toque muy Sarah Records al más puro estilo de bandas como McCarthy.

La verdad es que es un grupo que lleva brillando un par de años. Ojalá que pronto podamos escuchar un trabajo más largo porque, de verdad, Autocamper son una maravilla.

Neutrals

En estos últimos años creo que he reseñado todos los trabajos que han salido de Neutrals, la banda de Oakland. El trío liderado por Allan McNaughton siempre nos deja una buena dosis de jangle pop guitarrero que es de agradecer. De hecho, su primer LP, Personal Computing (2020) y su anterior EP Bus Stops Nights (2022) era como recuperar los mejores sonidos de Television Personalities.

New Town Dream será su segundo disco y ya hemos conocido el primer single, Wish you were here, otro de esos pildorazos de punk-pop que tiran de referencias C86 como The Wedding Present y el punk afilado de The Jam en In the City. Además, esta vez mejorado todo con los coros femeninos de seablite.

La verdad es que es Neutrals es una banda que me encanta y su sonido tan DIY me resulta interesantísimo y potente. Ojalá alguna vez poder verles en directo.

Vampire Weekend

Yo pensaba que esta iba a ser una semana tranquila (más o menos), pero ni mucho menos. De hecho, se me acumula el trabajo con discos y canciones pendientes que no he podido comentar por aquí, como el disco de Pernice Brothers o las nuevas canciones de Perro o Neutrals que me han encantado.

Pero hoy vengo con un álbum que seguramente todas las revistas lo pongan en lo alto de su top a finales de año, Only God's above us de los neoyorquinos Vampire Weekend. Y no es para menos porque es un disco maravilloso, donde recuperan sus sonidos tropicales y afro de los inicios, pero mantienen la esencia más esquiva de sus últimos trabajos. Por ejemplo, la maravillosa Classical, que es vibrante, con una batería potente y de ritmos tropicales, pero donde al final se desata un saxo loco al más puro estilo Black Country, New Road. Una canción genial.

En realidad estos temas potentes que bien pudieran ser todos singles aparecen a lo largo de todo el disco. Así se abre con Ice-Cream Piano, pero también encontramos esta línea en canciones como Gen-X Cops donde están inspiradísimos y hacen un corte que te hace mover los pies aunque estés en el despacho.O esa Prep-School Gangsters que con sus guitarras y sus ritmos tropicales bien recuerda a los primeros discos de Vampire Weekend.

También destacan los cortes más esquivos y sencillos. En Pravda, por ejemplo, se inicia con una guitarra juguetona a modo de guitarra clásica, pero pronto se convierte en un tema de ritmos amables. O, la preciosa, Mary Boone que es una maravilla y que comienza con ese bonito piano y la voz en falsete, pero que luego se acerca al synth-pop y a los sonidos de grupos como Caribou y esa electrónica suave y melódica.

Pero si hay que destacar una canción de este trabajo es Capricorn, el single que adelantaron y que es tremendo. Una canción casi acústica hecha a base de guitarras, algo que destaca dentro del disco, como la mayor de las rarezas, pero que encaja a la perfección en este trabajo.

Sinceramente, no me esperaba que Ezra Koenig y sus Vampire Weekend hicieran un disco tan bueno a estas alturas. De hecho, me parece de lo mejor que han hecho en su carrera. Bravo!

The Lemon Twigs

Creo que este How Can I Love Her More? es el cuarto adelanto del nuevo álbum de los norteamericanos The Lemon Twigs. Y el segundo que comparto por aquí, algo bastante raro en el blog, pero es que merece la pena.

Desde hace algunos años la banda de los hermanos D'Addario está cosechando un gran éxito, tanto de público, como de crítica especializada. De hecho, empiezan a aparecen ya, con merecimiento, entre los principales nombres de los festivales. Eso sí, a mí el anterior disco, que me pareció bueno y me gustó, tampoco me pareció para tanto. Cuestión de gustos.

Pero eso es algo que The Lemon Twigs han decidido cambiar. A sus incondicionales les están encantando las nuevas canciones, y a los que no lo éramos tanto, también. Con aires de pop sixtie y seventie, con guitarras, con vientos y con celemines están creando un sonido maravilloso que recuerda a lo mejor de grupos como The Beach Boys o The Beatles.

En menos de un mes saldrá en Captured Tracks su nuevo álbum A dream is all we know y todo apunta a que será uno de los destacados del año.

Ride

Aunque el nuevo trabajo de Ride, Interplay, salió a finales de marzo lo cierto es que hasta ayer no lo había podido escuchar. Y es que han sido unas semanas de locura entre el Congreso que tuve en Castellón, la semana santa y luego el viaje por trabajo a Estrasburgo durante las Fiestas de Primavera (y que me hizo perderme el bando).

Pero, para mi sorpresa, este nuevo álbum está bastante bien (no esperaba gran cosa). Bien es verdad que en directo siguen siendo potentes y sus conciertos molan, pero tras la reunión de 2017 los discos había sido un poco irregulares (excepto Charm Assault pocas canciones tenían la pegada de los viejos tiempos).

Eso cambia en este trabajo, donde empiezan potentes con Peace Sign y Last Frontier. Una buena carta de presentación que se mantiene durante todo el disco en canciones como I came to see the wreck para seguir sacando las guitarras a pasear y unas buenas capas de distorsión

Aunque si algo destaca en este trabajo de Ride es que se adentran poco a poco en sonidos más sintéticos a través de los teclados (aparecen en casi todas las canciones) y eso es algo que a las baladas les sienta genial, como sucede en Sunrise Chaser, la bonita, Last night I went to dream, Stay Free (con esos pianos) o Light in a Quiet Room que, con sus 6 minutos, tiene de todo, sintetizadores, pianos y un final apoteósico a base de guitarras, capas y distorsión. Esta canción tiene que ser tremenda en directo.

El disco tiene, lógicamente, sus altibajos (son doce canciones) pero la verdad es que hay cortes que se disfrutan mucho y donde volvemos a oír rugir a los mejores Ride cuando se acercan al pop. Por ejemplo en Portland Rocks o en Monaco, el single que avanzaron, recuerda mucho a grupos como Editors o Interpol, en esa mezcla entre el pop, el rock y los sonidos ochenteros de sintetizadores.

En definitiva, un muy buen álbum, con más pop y teclados, pero donde tampoco dejan de lado su lado más shoegazer y las guitarras potentes.

Waxahatchee

Tras unos días de descanso por el pueblo en semana santa, vuelvo al blog, aunque justo ahora llegan las fiestas de primavera de Murcia y volveré a desconectar. No, por las fiestas, ya me jode, si no porque me toca otro viaje de trabajo, de nuevo a Estrasburgo y hasta el viernes no vuelvo. En fin.

Pero bueno, paso fugazmente por el blog a hablar del nuevo álbum de Waxahatchee. Katie Crutchfield no necesita ya presentación en este blog porque, desde 2015 con aquel Ivy Trip, han pasado por aquí todos sus discos y proyectos paralelos (incluyendo el año pasado ese disco con Plains). Reconozco que hace ya más de una década que sigo su música, desde que conocí (curiosamente) a su hermana Allison a través de Swearin' la banda que tenía hace más de diez años.

El sonido de Waxahatchee, desde entonces, ha ido cambiando (casi siempre a mejor). Del indie-rock guitarrero se ha ido suavizando hacia el rock y el folk americano. En realidad, algo casi natural, ya que ella es originaria de Alabama. Este cambio, que ya escuchamos en el precioso St. Cloud de 2020, ha continuado en este Tigers Blood.

Un buen ejemplo es la maravillosa Right back to it donde colabora con voz y guitarra MJ Lenderman de los geniales Wednesday, la banda de Ashville que se mueve entre el rock guitarrero y la música americana. De hecho, es en los medios tiempos y las baladas, donde Waxahatchee desarrolla más ese lado folk, por ejemplo en las preciosas Lone Star Lake, 365, 3 sisters o, la muy Bob Dylan, Burns Out at Midnight. 

Pero, en este disco, también deja espacio para algunas canciones más potentes y guitarreras, en la línea de los citados Wednesday, como sucede en Evil Spawn, Bored, Ice Cold o Crowbar

Realmente le ha quedado un álbum espectacular a Waxahatchee. En Estados Unidos es ya una cantante muy reconocida y, por Europa, todavía la hemos visto poco. Yo, de hecho, nunca la he podido ver en directo y me encantaría.